Redacción T México
Cuando se habla de la pintura de la segunda mitad del siglo XX, inevitablemente debemos hablar de David Hockney. Sus piscinas de azul intenso, los paisajes atravesados por una luz radiante y los retratos construidos a partir de una observación paciente terminaron por convertirse en algunas de las imágenes más influyentes del arte contemporáneo.
Durante más de siete décadas, Hockney desarrolló una obra que desafió cualquier clasificación sencilla. Aunque su nombre suele aparecer asociado al Pop Art británico, su trabajo siempre mantuvo cierta independencia frente a las categorías. Pintó retratos, interiores, paisajes, escenas domésticas y exploró constantemente nuevas formas de representación, convirtiéndose en una de las figuras fundamentales del arte de los siglos XX y XXI.
Nacido en Bradford, Inglaterra, en 1937, creció en una familia trabajadora y comenzó a dibujar desde muy temprana edad. Su talento destacó rápidamente durante sus años de formación artística y pronto se convirtió en una de las voces más prometedoras de una generación que buscaba nuevas formas de mirar el mundo después de la posguerra.
A diferencia de otros artistas atraídos principalmente por los símbolos de la cultura de masas, Hockney concentró gran parte de su atención en aquello que tenía cerca. Amigos, amantes, habitaciones, jardines y paisajes fueron apareciendo una y otra vez en una producción marcada por la observación minuciosa y una relación profunda con la experiencia cotidiana.
La llegada a California durante la década de 1960 transformó su imaginario visual. Frente a la atmósfera gris de la Inglaterra de posguerra encontró una geografía construida a partir de la luz, el cielo despejado, la arquitectura moderna y una nueva sensación de libertad. Los Ángeles se convirtió en uno de los escenarios decisivos de su carrera.
Fue allí donde aparecieron las piscinas.
Las piscinas de Hockney fueron más que eso, en ellas encontró superficies planas de color, reflejos cambiantes, geometrías arquitectónicas y una oportunidad para representar el movimiento de formas inéditas. También fungían como símbolos de una cultura asociada al ocio, la privacidad, el deseo y el imaginario del sur de California. Obras como «A Bigger Splash» de 1967 o «Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)» de 1972 terminaron por convertirse en algunas de las imágenes más reconocibles de la historia reciente del arte.
Lo que para otros podía parecer un elemento cotidiano, para Hockney condensaba toda una visión del mundo. La piscina representaba el sueño californiano, pero también una exploración constante sobre la luz, la percepción y el acto de mirar.
Su curiosidad artística tampoco se limitó a la pintura. A lo largo de su trayectoria experimentó con fotografía, fotocollage, impresiones digitales, fax, iPhone y iPad, convencido de que cada nueva herramienta podía ampliar las posibilidades de la representación visual. Mientras muchos artistas de su generación observaban con distancia las tecnologías emergentes, Hockney las incorporó a su práctica con entusiasmo y naturalidad.
Su relevancia trascendió los museos. En 2018, «Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)» alcanzó más de 90 millones de dólares en subasta, convirtiéndose temporalmente en la obra más cara vendida por un artista vivo. Sin embargo, su importancia difícilmente puede medirse únicamente a través del mercado.
El pasado 12 de junio, Hockney falleció a los 88 años en su residencia de Londres. Para entonces era considerado uno de los artistas británicos más influyentes de la era contemporánea. Había sido condecorado por la reina Isabel II, admirado por el rey Carlos III y reconocido por generaciones enteras de artistas, curadores y críticos que encontraron en su obra una manera distinta de entender la relación entre imagen y realidad.
Su legado permanece en una pregunta que atravesó toda su producción artística: cómo vemos el mundo. Sus pinturas, dibujos y experimentos visuales insistieron una y otra vez en la importancia de observar con atención aquello que suele pasar desapercibido.
Sus piscinas continúan ahí, suspendidas entre el movimiento y la quietud. Como escenarios de descanso y una de las metáforas visuales más perdurables del arte contemporáneo.
